Título original: Escape from L.A. Año: 1996 Director: John Carpenter Actores: Kurt Russell, A. J. Langer, Steve Buscemi, Pam Grier, Stacy Keach, Georges Corraface, Michelle Forbes, Jeff Imadal, Cliff Robertson Duración: 117 min Edición: Paramount Home Entertainment Discos: 1 Región: 2 Video: Pal, 2.35:1, 16:9 Idiomas Audio: Dolby Digital 5.1: Español, Inglés, Francés, Italiano Subtítulos: Español, Croata, Francés, Griego, Hebreo, Inglés, Italiano, Portugués Otras características: Menús Interactivos, Selección de Escenas, Trailers, Audiocomentario del Director
El hombre del ojo tapado ha vuelto, llámale Serpiente. Kurt Russell se une de nuevo a John Carpenter y Debra Hill para hacer con la Gran Naranja lo que ya hicieron con la Gran Manzana en 1997: Huida de Nueva York, pero con más emociones y más acción, en un futuro no muy lejano. Serpiente Plissken llega a Los Ángeles del año 2013, destruida por un terremoto de 9.6. Su misión: abrirse camino entre las ruinas de LA para recuperar un dispositivo que puede acabar con el planeta. No se pierdan la excitación que produce ver a Serpiente surfear por Wilshyre Blvd.., esquivar disparos en el Coliseum, bucear entre las bombas del parque temático de Happy Kingdom y mezclarse con la combinación más salvaje de amigos, demonios y enemigos. 2013: Rescate en LA es una locura repleta de acción...
TITULO ORIGINAL They Live AÑO1988 DURACIÓN 95 min. PAÍS [Estados Unidos] DIRECTORJohn Carpenter GUIÓNJohn Carpenter MÚSICA Alan Howard &John Carpenter FOTOGRAFÍA Gary B. Kibbe REPARTO Roddy Piper, Keith David, Meg Foster, John Lawrence, Raymond St. Jacques, Peter Jason PRODUCTORA Alive Films *SISTEMA: Pal *MENU Y EXTRAS: Si *IDIOMAS: Ingles,Castellano y Alemán *Sub: Castellano y Varios... *ARCHIVOS: 41 Partes en rar [40 de 99 MB y 1 de 85,95] + 3 Archivos de recuperación
John descubre algo desconcertante, Cuando se pone unas gafas de sol que se encontró por casualidad, ve todo lo que le rodea de una forma diferente. Las caras de alguns personas tienen expresiones extrañamente deformadas. Ve luces de neón intermitentes con insólitos mensajes y órdenes inequívocas por todas partes. Finalmente, John se da cuenta de que el mundo en el que vive ha sido invadido por seres extraterrestres y todo indica que la invasión se ha preparado a conciencia. Las criaturas alienígenas están desvalijando la tierra sistemáticamente, y prácticamente nadie se puede resistir a su lavado de cerebro. Cuando John es descubierto tras aunar sus esfuerzos con un movimiento clandestino que pretende descubrir el cuartel general de los invasores, los extraterrestres dan inicio a una cacería despiadada.
Sin City - Ciudad Del Pecado Dirección: Robert Rodriguez & Frank Miller, con la colaboración especial de Quentin Tarantino. País: USA. Año: 2005. Duración: 129 min. Género: Thriller. Guión: Frank Miller; basado en sus cómics. Producción: Elizabeth Avellán, Frank Miller y Robert Rodriguez. Música: Robert Rodriguez, John Debney y Graeme Revell. Fotografía: Robert Rodriguez. Montaje: Robert Rodriguez.
Bienvenidos a Sin City, ciudad de policías corruptos, atractivas damas y vigilantes desesperados. Algunos están buscando venganza, algunos redención, y otros, ambas cosas. Un universo de héroes inverosímiles que intentan hacer lo correcto. Sin City es una ciudad que vive entre la luz y la oscuridad, llena de personajes singulares. Está por ejemplo Marv (Mickey Rourke), un superviviente que busca vengar la muerte de su único amor. También está Dwight (Clive Owen), un investigador privado que intenta dejar sus problemas atrás. Después de que un policía sea asesinado, Dwight no parará ante nada para proteger a sus amigos. Finalmente, está la historia de Hartigan (Bruce Willis), el último policía honesto de Sin City, que va tras la pista de una joven en manos del sádico hijo de un senador... con resultados inesperados.
El Viaje (1967) es un poco el filme de culto presupuesto publicado por la American International Pictures, dirigida por Roger Corman, y filmada en y alrededor de Los Ángeles, incluyendo en la parte superior de Kirkwood en Laurel Canyon, Hollywood Hills, y cerca de Big Sur, de California en 1966. Peter estrellas Fonda como un director de televisión jóvenes comercial, Paul Groves. Sinopsis En este drama, Groves (Peter Fonda) toma su primera dosis de LSD mientras se experimenta la angustia y la ambivalencia de divorcio de su esposa hermosa, pero adúltera, interpretado por Susan Strasberg. Él empieza su viaje con una guía "," John (Bruce Dern), de los cuales por miedo, Groves huye y abandona. Como arboledas las experiencias de su viaje, se pasea por la Sunset Strip, en clubes nocturnos, y las casas de extraños y conocidos, que considera el papel desempeñado por el mercantilismo, el sexo, el papel de la mujer en su vida. Conoce a una mujer joven, Glenn (Salli Sachse), que está interesado en las personas que toman LSD. Habiendo aprendido de Groves recientemente que sería tomar LSD, ella ha estado mirando hacia fuera para él. Glenn unidades Groves a una casa de playa, donde tienen relaciones sexuales apasionada. Cuando sale el sol, Groves sale a la terraza para tomar el aire. Glenn le pregunta si su primera experiencia con el LSD fue constructiva. Groves aplaza su respuesta a la "mañana". Su cara está congelada en close-up, y su imagen, como las grietas de vidrio a través de una animación con efectos especiales. Notas El viaje también cuenta con Dennis Hopper como distribuidor de Groves Max, quien aparece aquí con Fonda en un papel precursor a Easy Rider (1969). Contrary to their characters in Easy Rider , though—and for obvious reasons—Fonda's Paul Groves acts paranoid and anxious in The Trip , while Hopper's Max appears calm and collected. Contrariamente a sus personajes en Easy Rider, aunque-y por razones obvias-Paul Groves Fonda actos paranoide y ansiedad en el viaje, mientras que Max Hopper parece tranquila. Corman salvajemente editado algunas escenas para el viaje, especialmente las escenas exteriores en la noche de Sunset Strip, para simular la mente de carreras que el usuario del LSD. El viaje cuenta con efectos de fotografía, pintura corporal sobre las actrices semidesnudas para dar ambiente, y la iluminación de colores estampados, en escenas de sexo y en un club, que imita el LSD inducida alucinaciones. Por último, Corman incluido fantasía inescrutable secuencias incluyendo una en la Fonda se enfrenta a imágenes de rotación de Che Guevara, Sophia Loren y Khalil Gibran en una habitación iluminada salvajemente y luego grita "Bahía de Cochinos!" in terror. en el terror. La historia juega sobre un telón de fondo musical de jazz improvisado, blues rock de la banda The Electric Flag, además de una partitura musical exótica con un órgano y de cuerno tema empapado. Jack Nicholson escribió el guión original. Corman alentó estilo de escritura experimental de Nicholson y le da entre 80 y 90 por ciento de crédito a Nicholson para el guión de rodaje en el comentario del director, que aparece en el DVD de esta película. Corman ha modificado ligeramente la historia para mantenerse dentro del presupuesto.
Argumento: Imágenes como la de Nosferatu acumulando ataúdes en el coche fúnebre, la procesión mortuoria en la ciudad, la epidemia de ratas o la muerte del vampiro enamorado llevándose su mano al corazón permanecen en la retina de todos aquellos afortunados que han podido disfrutar con la contemplación de un clásico que, como la mayoría de los clásicos, posee una vigencia que lo mantiene actual a pesar de las décadas transcurridas desde su estreno comercial.
Comentario:Uno de los primeros clásicos del cine de terror y la que para muchos es la mejor película sobre la novela de Stoker, el conde Drácula. No obstante, como todos sabrán, los nombres de los personajes así como el título de la película difiere de la novela debido a los problemas que hubo para comprar los derechos de autor. Aun así, la viuda de Stoker consiguió que un tribunal dictara una resolución a su favor y muchos rollos de Nosferatu se vieron entre las llamas. por suerte para nosotros la resolución se dictó cuando ya se había distribuido el film internacionalmente, y por tanto hoy en día podemos disfrutar de una de las películas más influyentes de la historia. Friedrich Murnau dirigió la película, que posteriormente tuvo su remake, por parte de Herzog, e inspiró otras muchas como la moderna La sombra del Vampiro.La película fue estrenada tras los éxitos, también alemanes, de El Golem y El gabinete del Dr. Caligari. Con 63 minutos de duración (aunque se desconoce el dato real del rollo original) es un auténtico largometraje para la época donde los daños de la guerra aun eran evidentes en muchas facetas.La película es muda, pero los carteles, que surgen con mucha frecuencia, dan la suficiente información como para seguir sin ningún problema la historia. Aunque claro esta, como pertenecemos a otra era nos aburrirá un poco, sobre todo hasta que surge la figura de Max Schreck, de quien hablaremos posteriormente.Lo primero que podemos destacar de la película es su brillante ambientación así como los imponentes decorados, que al contrario de lo que podíamos ver en otras obras de la época, eran simplones con clara tendencia a la utilización de exteriores. Murnau se desmarcó del expresionismo imperante para dotar de personalidad propia a la película, buscando un escena realista y natural dentro de los cánones marcados por el expresionismo.La iluminación, aunque muy demacrada por el paso del tiempo, es de alto contraste. podremos fijar tres tipos de luces en la película:- luminoso y brillante en casa de Hutter.- Oscuro y lúgubre en las apariciones del conde Orlock- Tonos medios en exterioresOtro de los aspectos importantes de la película es la increíble actuación de Max Schreck encarnando a el conde Orlock. Simplemente brillante. Sus gestos, la forma de moverse, la expresión de la cara, un sin fin de registros difíciles de copiar. Además tenemos que añadir la fantástica caracterización.Para recordar también quedan esos planos de sombras alargadas,esos encuadres extremos dejando a los personajes a un lado fomentando la sensación de soledad o el uso del negativo para conseguir una combinación de colores irreal. Sin duda Murnau consiguió asustar al publico, ese público que hasta la llegada de Nosferatu no se había enfrentado nunca a una autentica película de terror. Para bien o para mal, indispensable en cualquier videoteca.
El gabinete del doctor Caligari (titulo original Das Cabinet des Dr. Caligari) es una película muda de 1920 dirigida por Robert Wiene, considerada la pionera del cine expresionista alemán. Su productora es Decla. Fue una de las primeras películas producidas en los estudios alemanes UFA. El productor, Erich Pommer, de la Decla-Bioscop, quería que fuera Fritz Lang quien dirigiera la película, pero Lang tenía otros compromisos en ese momento, de modo que acabó siendo Wiene quien la dirigió. Narra los crímenes que cometía el sonámbulo Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, quien lo exhibía en ferias de ciudades alemanas. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra: para ellos, Caligari inducía a un sonámbulo a cometer asesinatos del mismo modo que el Estado alemán inducía a un pueblo dormido a perpetrar crímenes, que de hecho se consumarían una década después, en la II Guerra Mundial. El guión original de la película, de Hans Janowitz y Carl Mayer, fue modificado y Wiene, seguramente presionado por la productora y ésta por las autoridades alemanas, añadió una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia, quedando convertida en el relato de un loco. La cinta es considerada como el primer film expresionista de la historia, y destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante. Los responsables de la escenografía fueron Walter Rörig, Walter Reimann y Hermann Warm, miembros del grupo Strum. El expresionismo fue una edad dorada del cine, en donde los mayores representantes fueron: Fritz Lang, George Wilhelm Pabst y F.W. Murnau, Paul Wegener. La película se caracteriza por la estilización de los decorados (retorcidos y con ángulos imposibles), la forma exagerada de actuar y el coloreado posterior de las escenas, dejándolas en tonos azules, sepia o verdes. Hay también un curioso uso de máscaras para hacer fundidos en negro progresivos, dejando destacada una parte de la acción. El Doctor Caligari. Los decorados están distorsionados, ya que se representan como si fueran una maqueta o cartones pintados superpuestos para crear ilusiones. De esta manera se genera una sensación de angustia y de opresión casi constantes; nos encontramos ante un mundo puntiagudo y lleno de angulos, constantemente amenazador. Se enfatizan sombras oscuras y contrastes, como en su comienzo, al aparecer la chica que resalta del fondo. Se nota que hay un uso de luces artificiales. El expresionismo influiría luego, por ejemplo a Hitchcock.
En 1925 se le encargó al director Eisenstéin el llevar a cabo esta obra para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique. El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata. Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas. Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.
Argumento El acorazado Potemkin es una película parcialmente basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905. Los marineros del acorazado Potemkin ya están hartos de malos tratos, y cuando se les intenta obligar a comer carne con gusanos, deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas. Estrenada en la primera década de la Revolución Rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917. Este film esta compuesto de cinco episodios: Hombres y gusanos Drama en el Golfo Tendra El muerto calma La escalera de Odesa Encuentro con la escuadra Como el propio Eisenstein explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y pathos en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film, la película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en las que puede ser dividida la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte, el trabajo patético (pathos) en tanto que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, generan en el espectador una emoción que lo llevan a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.
A Fritz Lang le gustaba recordar que la historia de Metrópolis nació en su viaje a América, en octubre de 1924, viendo desde su barco en la noche ante el puerto neoyorkino los rascacielos de la ciudad y las calles iluminadas. Al regresar, Thea von Harbou se pondría a trabajar en el guión. Esta inspiración se puede relacionar con el rodaje en la materialización de las ideas visuales más que con el guión, ya que la historia estaba probablemente muy perfilada en julio de 1924. Von Harbou escribió así mismo una novela que se basó en la trama de la película. En la representeación del orden social, Metrópolis se apoya por un lado en el marxismo: hay dos clases sociales claramente diferenciadas y separadas, en las que una explota a la otra sin que haya posibilidades de medrar. La “alienación del trabajo“ podría relacionarse con que haya algunas máquinas sin una utilidad reconocible. Por otro lado también se critica el ideal de revolución socialista. El personaje del Robot María, representado claramente como malvada, lanza a los trabajadores a la lucha, y como resultado destrozan su medio y sustento, empeorando su situación en lugar de mejorarla. La colaboración entre clases sociales, en lugar de la lucha de clases, recuerda sin embargo al nacionalsocialismo y su ideología, pues era la estructura económica corporativista que defendía el programa del Partido Nacional-Socialista de los Trabajadores de Alemania (NSDAP); ideología con el cual Thea Von Harbou simpatizaba, contrariamente a Fritz Lang. La parábola de la Torre de Babel está cambiada: en la variante que se muestra los arquitectos y los trabajadores hablaban una misma lengua pero no se entendían; tampoco hay un Dios. Del cristianismo se toma la figura de María, que personifica el Bien, así como el anuncio de la venida de un Redentor. Lang dio a entender más tarde que la idea del corazón como mediador entre la mano (la fuerza del trabajo) y el cerebro (la capacidad directora de la sociedad) era falsa y que por ello ya no le gustaba esta película. Tras esta opinión se escondía la situación social que se vivía y no un conflicto de orden moral. Aunque la tésis central del cerebro, la mano y el corazón pertenece a Thea von Harbou, él era responsable de la misma, al menos en parte, como director de la película que era. Lang, en realidad, estaba mucho más interesado en los aspectos técnicos y arquitectónicos del film que en el trasfondo político de la trama. El discreto éxito de la película entre el público de aquellos años también puede explicarse por ello, ya que la imagen social desarrollada en la historia se opone a las apenas cuestionadas creencias en el progreso que se tenían entonces. El género de ciencia-ficción del cine mudo presenta la utopía, por lo general, en positivo, mientras que Lang recurre a la esclavización de los tiempos bíblicos para representar el futuro. Las monumentales máquinas de la ciudad subterránea proporcionan a las clases bajas una vida indigna, la masa humana es fácilmente manipulable y se practican ritos medievales como la quema de brujas.
Curiosidades:
Para el rodaje de la película fueron requeridos 15.000 extras calvos. En junio de 2008 fue hallada en el Museo del Cine de Buenos Aires una copia en 16 milímetros casi completa del filme, que se creía "extraviada" desde poco después de su estreno, en Berlín, en 1927. Queen se inspiró en esta película para realizar el videoclip de la canción "Radio Ga Ga", y utilizo algunos fragmentos de ella. Francisco Salamone, baso muchas de sus obras a partir de este film. El videoclip de la cancion We´re in This Together de Nine Inch Nails fue inspirado en este film.
